Shishkin – „Eichen“

Das Gemälde „Oaks“ ist eine der berühmtesten Landschaften von I. I. Shishkin. Die Leinwand wurde 1887 im Dubki Park in der Nähe von St. Petersburg gemalt. Diese Leinwand ist ein hervorragendes Beispiel für die Freilichtmalerei, die der Maler in jenen Jahren sehr leidenschaftlich fand. Während der direkten Kommunikation mit der Natur verstand er ihre Geheimnisse und lernte die Meisterschaft.

Eichen und Kiefern – diese Bäume zeichneten mehr als andere gern Shishkin. Der Künstler gab zu, dass er die Kiefern für ihre Anmut und die Eichen für die in ihnen enthaltene Kraft mochte. Die Liebe des Künstlers zu diesen Bäumen zeigt das Gemälde „Oaks“.

Auf dem Bild achtete Shishkin besonders auf die allgemeine „Anordnung“ von Farbe, Schnitt und Licht, behielt aber gleichzeitig die Einfachheit und den Realismus des Motivbildes bei. Die allgemeine Beleuchtung wird auf der Leinwand bemerkenswert vermittelt. Auf dem Bild sehen wir eine von der Sonne beleuchtete Wiese und eine Gruppe alter Eichen – kraftvoll und stämmig.

Gemusterte Blätter von Bäumen blitzen irgendwo hell in der Sonne und irgendwo tauchen sie in die Dämmerung ein. Wir sehen den sommerblauen Himmel durch das Grün der üppigen Eichenkrone scheinen. Schwerelose Schatten gleiten über die Stämme und Kronen von Bäumen und fallen leicht auf die grüne Wiese.

Das Gemälde „Oaks“ ist sehr frisch, saftig, bunt. Der Realismus des Bildes wird darin mit der subtilsten Übertragung von Lichtschattierungen kombiniert, was ihm eine unglaubliche Ausdruckskraft verleiht.

Diese Leinwand zeigt, wie viele andere Werke von I. I. Shishkin, wie bedeutungsvoll und aufregend die Landschaften um uns herum sein können. Der Künstler lehrt uns alle, unsere einheimische Natur nicht nur zu lieben, sondern sie auch tief zu spüren.

Jahr der Malerei: 1887.

Maße des Gemäldes: 147 x 108 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Landschaft

Stil: Realismus.

Galerie: Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg, Russland.

Vasnetsov – „Der Ritter am Scheideweg“

Wenn wir uns das Gemälde „Der Ritter am Scheideweg“ ansehen, ist das erste Bild, das uns in den Sinn kommt, natürlich Ilya Muromets, der Held der Epen und Legenden. Aber im Titel des Bildes, wie in der Idee des Künstlers, erscheint kein Name. Bevor Viktor Vasnetsov dieses Meisterwerk schrieb, zeichnete er viele Skizzen, Skizzen und Studien. Es gab völlig unterschiedliche Versionen dieser Leinwand: Zu Beginn wurde der Held in einigen Skizzen dem Betrachter gegenüber dargestellt. Es gab eine Straße in der Komposition. Am Ende war es für den Künstler jedoch wichtiger, einen Stein mit einer Inschrift und ein mit menschlichen Knochen übersätes Feld zu zeigen. Gleichzeitig entfernte er die Straße vollständig und hinterließ eines der drei Sprüche: „Du wirst geradeaus gehen, du wirst nicht am Leben sein.“ Mit diesem Spruch wollte Vasnetsov höchstwahrscheinlich das zum Scheitern verurteilte und hoffnungslose Schicksal des Helden betonen, indem er in seiner Person die Sinnlosigkeit militärischer Aktionen zeigte. Dieses Diktum wird auch durch eine düstere Landschaft untermauert: die Überreste gefallener Soldaten neben einem Stein, den Abendhimmel und eine kleine Herde Krähen.

Vasnetsov brauchte fünfzehn Jahre vom Beginn der Arbeiten an dem Gemälde bis zu seiner Fertigstellung. Natürlich arbeitete er gleichzeitig an anderen Leinwänden. Aber eine interessante Tatsache, über die sich viele Kunstkritiker streiten: In den Händen des Ritters befindet sich ein Infanteriespeer, kein Pferd. Dieses Detail überrascht jeden mit der Tatsache, dass der Held in allen Skizzen und Skizzen niemals einen Infanteriespeer findet, sondern nur in der endgültigen Fassung vorhanden ist. Was der berühmte russische Maler mit diesem bemerkenswerten Unterschied sagen wollte, kann man nur erraten. Im Allgemeinen unterscheidet sich dieses Meisterwerk stark von anderen Leinwänden, es zeichnet sich durch seine pessimistische Stimmung aus, die für die Werke des Künstlers völlig untypisch ist.

Jahr der Malerei: 1878.

Maße des Gemäldes: 79 x 147 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Mythologische Malerei.

Stil: Romantik, Symbolik.

Galerie: Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg, Russland.

Van Gogh – „Boote in Saint-Marie“

Die Technik, diese großartige Leinwand des gefeierten Meisters Vincent van Gogh zu malen, unterscheidet sich sehr von den Methoden, mit denen er seine anderen Werke schreibt. Hier sieht der Betrachter seine üblichen zufälligen breiten Striche nicht, das Bild ist voller Leichtigkeit, Luftigkeit, kleine Details werden sorgfältig ausgeschrieben. Der Künstler zeigte einen ruhigen Strand mit Booten.

Van Gogh wählte sehr helle und saftige Farben für die Malerei „Fischerboote am Strand in Saint-Marie“. Die bunten Boote sind voller Blumen vor dem Hintergrund von goldenem Sand und transparenten blauen Wellen. Der Himmel ist mit hellweißen Wolken bedeckt, es scheint, dass bald ein starker Wind weht.

Ordentlich und klar, mit Schwerpunkt auf den Konturen, befinden sich bemalte Boote im Meer, etwas weiter vom Strand entfernt. Der Künstler zeigt ihre Masten und Geräte ausreichend detailliert. Ein aufmerksamer Betrachter kann eine goldene Truhe bemerken, die in der Sonne funkelt. Und links im Sand liegt noch einer.

Die Wellen werden stärker, es scheint, dass sie bald Boote ergreifen und sie weit hinaus aufs Meer tragen werden. Obwohl Vincent van Gogh in Boats at Saint-Marie keine einzige Person darstellte, lässt das Gefühl der Rationalität und Sinnhaftigkeit der Elemente der Leinwand den Betrachter keine Minute lang zurück. Alle Natur und Objekte, die von Menschenhand geschaffen wurden, werden vom Autor lebend gezeigt, und die Boote wagen es, wie eine Art fabelhafter Kreaturen, einen Weg voller Gefahren über das weite Meer zu bahnen. Sie warten nur auf das richtige Wetter und den günstigen Wind.

Maljahr: 1888. Maße des Gemäldes: 81,5 x 65 cm. Material: Leinwand. Schreibtechnik: Öl. Genre: Marina. Stil: Postimpressionismus. Galerie: Vincent van Gogh Museum, Amsterdam, Niederlande.

Seurat – „Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte“

Georges Seurats Gemälde „Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte“ wurde mit einer für diese Zeit völlig revolutionären Technik gemalt – dem Pointillismus. Diese Technik basiert auf den anatomischen Eigenschaften des menschlichen Auges und beinhaltet nicht das Mischen von Farben. Stattdessen wird jede Farbe in einem separaten Strich angewendet und nur als Ganzes betrachtet, sie repräsentieren ein aussagekräftiges Bild.

Wie bei vielen Innovationen üblich, verursachte das Bild sowohl bei den Zuschauern als auch bei den Kritikern widersprüchliche Reaktionen. Der Künstler hat keine Gesichter von Menschen gezeichnet, obwohl die Silhouetten präzise und klar sind. Aus diesem Grund scheint es, dass Seurat auf dem Bild keine Menschen, sondern gesichtslose Mannequins darstellt. Auch dieses Merkmal des Stils des innovativen Malers fand beim Publikum keine eindeutige Anerkennung. Georges Seurat erklärte es so: Sein Gemälde hat eine tiefe spirituelle Bedeutung, und alles Irdische, einschließlich der Gesichter, ist unwichtig. Das Bild vermittelt die Essenz: Der Rest der Pariser an ihrem Lieblingsplatz für Sonntagswanderungen, und es besteht keine Notwendigkeit für Konkretheit.

Ein Teil des Bildes beschäftigt sich mit dem Bild von Menschen, die ein Picknick machen, ein anderer Teil bewundert den Fluss, die Boote und Schiffe. Vor der heißen Mittagssonne versuchen die Damen, sich unter Regenschirmen zu verstecken.

Georges Seurats Gemälde war dank der Verwendung vieler verschiedener Farbtöne sehr farbenreich: hier gelb, rot, lila und grün. Sehr erfolgreich gelang es dem Künstler, die Untätigkeit und Faulheit eines heißen Wochenendes zu vermitteln.

Jahr der Malerei: 1886.

Abmessungen des Gemäldes: 207,5 x 308 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Genremalerei.

Stil: Pointillismus.

Galerie: Art Institute of Chicago, Chicago, USA.