Velazquez Diego – „Porträt der Infantin“

Diego Velazquez, der im Hofdienst des spanischen Königs stand, stellte häufig Mitglieder der königlichen Familie auf seinen sehr beliebten Leinwänden dar und betonte damit die Macht und den Adel der herrschenden Dynastie. Eine solche Arbeit ist „Porträt der Infantin Maria Margarita“, gemalt 1655 – dieses Porträt nimmt einen besonderen Platz in der Arbeit des Künstlers ein und gehört zur reifen Periode seiner Arbeit. In dieser Zeit schuf Velazquez viele Porträts der Tochter des spanischen Königs Philipp IV., Der später Kaiserin des Heiligen Römischen Reiches wurde.

Das Gemälde zeigt ein kleines Mädchen in formeller Kleidung mit dem kalten, arroganten Aussehen, das die Vertreter der Dynastie haben sollten. Die Haltung verrät auch die königliche Familie des Mädchens.

Trotz der Steifheit und des statischen Charakters der kleinen Thronfolgerin vermittelte die Künstlerin die kleinsten Gesichtszüge: Die Weichheit der Linien, das Gold der Haare, die sanfte Schwellung der Lippen verleihen ihrem Porträt eine besondere Wärme und Zärtlichkeit, die sich vom strengen Erscheinungsbild abhebt.

Diego Velazquez ‚Gemälde „Porträt der Infantin Maria Margarita“ ist im Louvre zu sehen – dem berühmtesten Museum Europas und der Welt.

Jahr der Malerei: 1654.

Maße des Gemäldes: 70 x 59 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Porträt.

Stil: Barock.

Galerie: Louvre, Paris, Frankreich.

Velazquez Diego – „Frühstück“

Diego Velazquez, der ein außergewöhnliches Talent als Maler hatte, stand im Dienst des spanischen Königs Philipp IV. Doch hinter dem Furnier der Porträts der Höflinge und den Beschreibungen ihres Lebens war Velazquez immer am Leben des einfachen Volkes interessiert. Daher gibt es in seiner Arbeit allegorische Werke wie „Frühstück“.

Das Gemälde zeigt zwei junge Menschen, die an einem mit einer weißen Tischdecke bedeckten Tisch sitzen und ein Gespräch mit einem älteren, weisen Mann führen. Velazquez achtete sehr auf die Gesichter der auf dem Bild abgebildeten Personen: Die jungen Männer stoßen mit einem Lächeln auf Toast an, einer von ihnen hob die Hand mit einer Flasche Wein und wollte offenbar die Gläser nachfüllen.

Der alte Mann sieht die jungen Leute interessiert und neidisch an. Das Licht fällt so, dass der Betrachter außer der Dreifaltigkeit am Tisch praktisch nichts sieht, im Hintergrund ein Kleiderstapel auf einem Kleiderbügel zu sehen ist. Nach der Idee des Künstlers hat das Gemälde mehrere semantische Dimensionen: Jugend und Alter, Dunkelheit und Lichtkontrast.

Laut einigen Forschern von Velazquez ‚Werk hat einer der jungen Männer, die am Tisch sitzen, Ähnlichkeit mit dem Autor des Bildes.

Alle auf dem Bild abgebildeten Objekte sind streng und proportional nach den Kanonen der spanischen Malerei des 17. Jahrhunderts bemalt.

Jahr der Malerei: 1618.

Maße des Gemäldes: 109 x 102 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Genremalerei.

Stil: Barock.

Galerie: Eremitage, St. Petersburg, Russland.

Shishkin Ivan – „Spaziergang im Wald“

Das 1869 von Ivan Shishkin gemalte Gemälde „Ein Spaziergang im Wald“ ist sehr farbenfroh, voller sommerlicher Wärme und positiver Emotionen. In dieser Arbeit stellte der Künstler einen Waldweg dar, auf dem eine junge Familie mit voller Kraft geht. Der Mann und die Frau gehen voran und besprechen etwas ziemlich Persönliches, während sie ein wenig zur Seite gehen.

Etwas weiter von ihnen entfernt gehen Großvater und Großmutter spazieren, die die Kinder wachsam beobachten, und an der Spitze der gesamten Prozession steht ein Hund an einigen Stellen, der hin und her huscht und seine Besitzer bewacht.

Natürlich ist, wie in allen Werken von Ivan Shishkin, eine der Hauptfiguren des Bildes der Wald. Wie schön um! Hohe Birken, große Steine, die hier und da verstreut sind. Die Sonne ist nicht sichtbar, aber ihr Licht erfüllt das ganze Bild mit einer besonderen Ausstrahlung. Die meisterhafte Ausführung von Licht-Schatten-Übergängen durch den Künstler beweist erneut Ivan Shishkins Professionalität als Landschaftsmaler.

Der vom Maler dargestellte Wald verleiht der Komposition des Bildes Ruhe und Komfort. Die subtile Übertragung einer leichten Brise und das Spiel mit Schatten und Licht machen „Walk in the Forest“ ungewöhnlich realistisch. Ich kann nicht glauben, dass der Künstler dieses Meisterwerk aus dem Gedächtnis geschrieben hat, ohne die Natur zu benutzen.

Jahr der Malerei: 1869.

Abmessungen des Gemäldes: 34,3 x 43,3 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Landschaft

Stil: Realismus.

Galerie: Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.

Serov – „Die Vergewaltigung Europas“

Die Idee, ein Bild zu malen, dessen Handlung auf einem antiken griechischen Mythos basiert, kommt Valentin Serov während seiner Reise nach Griechenland, wo er antike griechische Kunst studierte. Und 1910 erscheint unter seinem Pinsel die Leinwand „Die Vergewaltigung Europas“, die fast augenblicklich zu einem weiteren anerkannten Meisterwerk in der Schatzkammer des berühmten russischen Malers wird.

Das Wesen des Mythos, der dem Bild zugrunde liegt, ist folgender: Zeus, der die außergewöhnliche Schönheit des irdischen Mädchens Europas bemerkt, die Tochter des phönizischen Königs Agenor, verliebt sich in sie und beschließt, sie zu entführen. Er verwandelt sich in einen Stier und erscheint vor dem schönen Europa. Nachdem Zeus ihre Wachsamkeit mit friedlichem Verhalten gelullt hat und auf den Moment gewartet hat, in dem das Mädchen auf seinem Rücken sitzt, stürzt er in Form eines Tieres ins Meer und schwebt auf die Insel Kreta, wobei er seine Geliebte auf dem Rücken trägt. So wird Europa seine Frau und sie haben drei Söhne.

Natürlich zog eine so bunte Legende viele Künstler an. Tizian, Paolo Veronese, Rembrandt, Guido Reni, Claude Lorrain, François Boucher, Gustave Moreau, Francesco Albani, Nicholas Peters Berchem, Luca Giordano und viele andere malten Bilder über die Entführung Europas. Valentin Serovs Werk unterscheidet sich jedoch von allen anderen in Umfang und Monumentalität.

Die künstlerische Komposition von Serovs Gemälde „Die Vergewaltigung Europas“ basiert auf einer angespannten diagonalen Bewegung und einem Streben nach oben. Alle Zeichen auf dem Bild sind speziell diagonal angeordnet. Die kraftvollen, abrupten Bewegungen eines riesigen Stiers, der mit einem verängstigten Mädchen auf einem mächtigen Rücken auf den Wellen schwebt, werden von einem in der Nähe schwimmenden Delphin wiederholt, was den dynamischen Effekt, den das Bild erzeugt, nur verstärkt. Der größte Teil der Leinwand ist vom Meer besetzt, sehr rau, beeindruckend und ziemlich düster.

Das von Serov für das Malen dieses Meisterwerks gewählte Farbschema ist ebenfalls nicht Standard. Alle vom Künstler verwendeten Farben haben sehr helle und satte Farbtöne, der Einfluss antiker Fresken, die Serov auf der Insel Kreta studierte, ist zu sehen. Um einen Stier darzustellen, nimmt er eine orangefarbene Ziegelfarbe an, wodurch Zeus im Bild eines Tieres zu einem starken lichtenergetischen Fleck vor dem Hintergrund von Wellen und Himmel wird, der in blaugrauen Tönen ausgeführt wird.

Jahr der Malerei: 1910.

Malabmessungen: 71 x 98 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Tempera.

Genre: Mythologische Malerei.

Stil: modern.

Galerie: Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.

Vasnetsov – „Gamayun, der prophetische Vogel“

Während seines ganzen Lebens interessierte sich Viktor Vasnetsov für die Mythologie und Folklore der alten Rus und studierte sie. Alle seine Werke sind vom Geist der Antike durchdrungen. Auf einen Blick auf eines seiner Gemälde mit einer mythologischen oder märchenhaften Handlung besteht kein Zweifel daran, dass die Helden der Antike genau so aussahen.

Gleiches gilt für das 1897 gemalte Gemälde „Gamayun, der prophetische Vogel“. Gamayun in der slawischen Mythologie ist ein Vogel mit Gesicht und Brust einer Frau, ein Bote von Stürmen und Hurrikanen. Sie hatte eine schöne Stimme und konnte die Zukunft nur besonderen Menschen vorhersagen, die sie selbst unter den Geräuschen der Natur hören und verstehen: in einem Regenschauer, im Lärm des Grases, in einem Windstoß. Die Menschen glaubten, dass Gamayun ein Botschafter Gottes ist, der zwei Welten verbindet und Ereignisse vorhersagt.

Die Leinwand zeigt einen Vogel mit dem besorgten Gesicht einer Frau, sie sitzt auf einem eleganten Baum und schaut in die Ferne. Schwarze Flügel kontrastieren stark mit einem hellen, leuchtenden Hintergrund – stark, plastisch, flugbereit. Es ist dabei, mit dem Flügel zu schlagen und abzuheben. Die widersprüchliche Stimmung ist in diesem Bild sehr faszinierend: gleichzeitig ruhig, aber gleichzeitig üppige Farben, friedliche Natur und unstimmiges Gamayun.

Einige Kunsthistoriker glauben, dass Flügel ein Symbol der Wiedergeburt sind. In Zukunft trägt Vasnetsovs Arbeit zur Entwicklung von Stilen wie Symbolik und Moderne bei. Dank Viktor Vasnetsov wurde die einzigartige Kreativität und Mythologie der slawischen Völker wiederbelebt und an nachfolgende Generationen weitergegeben.

Jahr der Malerei: 1897.

Malabmessungen: 200 x 150 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Mythologische Malerei.

Stil: Romantik, Symbolik.

Galerie: Dagestan Museum of Fine Arts. P.S. Gamzatova, Makhachkala, Russland.