Chagall Marc – „Der Weg“

Marc Chagall gilt zu Recht als Begründer der Avantgarde-Bewegung in der Malerei des 20. Jahrhunderts. Ein besonderer Blick auf einfache Dinge und eine originelle Art, dem Betrachter seine Gedanken und Ideen zu vermitteln, machten den Künstler zu einem wirklich einzigartigen Phänomen in der Weltkultur. Einen besonderen Platz in der Arbeit von Marc Chagall nimmt das bekannte Gemälde „Walk“ ein, das nach Ansicht vieler Forscher der Künstler selbst und seine Frau darauf abgebildet hat.

Ein unerfahrener Betrachter, der ein Bild betrachtet, kann die Frage stellen: Warum schweben die vom Künstler porträtierten Menschen über der Stadt und gehen nicht wie alle normalen Einwohner der Stadt auf dem Boden? Die Antwort ist einfach: Die Hauptkraft auf dem Bild ist die Liebe. Sie ist es, die ein verliebtes Paar inspiriert und sie über die Erde schweben lässt.

Es ist zu sehen, dass die beiden in Chagalls Gemälde „The Walk“ dargestellten Personen – ein Mann und eine Frau – glücklich sind, in der Gesellschaft des anderen zu sein. Gegenseitige Liebe ist das Schönste, was ihnen passieren kann. Und dieses Gefühl verwandelt einen gewöhnlichen Spaziergang in ein unvergessliches Abenteuer, bei dem Sie mit Ihrem geliebten Menschen und Ihrem Seelenverwandten über die Straßen und Häuser fliegen.

Die kompositorische Absicht ist nicht so einfach, wie es scheinen mag. Bei sorgfältiger Untersuchung der Leinwand fällt auf, dass zwei Kräfte auf dem dichteren vorhanden sind: Eine davon ist die Erde, auf der ein Mann geht, die andere ist der Himmel, in dem eine Frau schwebt. Damit wollte der Künstler sagen, dass Liebe unabhängig von Entfernung und Ort inspirieren kann. Verliebte Menschen sind in der Lage, vor allem weltliche Sorgen und Sorgen zu haben.

Der Künstler zeigte dem Betrachter, dass Liebe Liebhaber über die Stadt, über die ganze Welt inspiriert und erhebt. Die Gesichter der Figuren auf dem Bild strahlen Glück und Freude aus, und sie sehen nur das Schöne, nur das Erhabene um sich herum, da sie die Gesetze der Schwerkraft mit Hilfe der Liebe überwinden und himmlische Schwerelosigkeit erreichen konnten.

Jahr der Malerei: 1918.

Abmessungen des Gemäldes: 169,6 x 163,4 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Genremalerei.

Stil: Kubismus.

Galerie: Staatliches Russisches Museum, St. Petersburg, Russland.

Van Gogh Vincent – „Rote Weinberge in Arles“

Das berühmte Gemälde „Rote Weinberge“ Vincent van Gogh malte in Südfrankreich in der Stadt Arles. Dort inspirierte ihn die herrliche mediterrane Natur zu Meisterwerken. Als der Künstler an einem Oktobertag sah, wie die Einheimischen reife Trauben von tiefroter Farbe ernten, war er von dem Aufruhr der Herbstfarben und der Symbolik der Aktion so beeindruckt, dass er in nur einem Monat eines seiner berühmtesten Gemälde schrieb.

Das Ernten ist ein Symbol für die zyklische Natur des Lebens, des Seins, und die Sonne hat für den Künstler immer das Leben und seine Blüte bedeutet. In diesem Lebenszyklus schreibt van Gogh auch eine Person in Arbeit und Bewegung ein.

Der Künstler teilte die Komposition des Gemäldes in zwei sich ergänzende Pläne ein: Auf der Vorderseite pflücken die Menschen Trauben, auf der Rückseite die Figur eines Mannes auf einem Karren und Bäume sind sichtbar.

Obwohl es Herbst ist, ist es immer noch heiße Sonne, als würde alles schmelzen, was auf dem Bild zu sehen ist: Menschen, Bäume. Dieser Effekt wird durch die Verwendung einer speziellen Technik zum Überlagern von Strichen erreicht, die van Gogh perfekt beherrschte. Die Verwendung von Spezialfarben schafft ein unglaubliches Farbschema, das Sie mit innerem Licht und Leben erfüllt. Van Gogh verwendet keine Mischfarben, wendet kontrastierende Striche an und verwendet hauptsächlich warme Farben, während kalte zum Zeichnen von Schatten übrig bleiben.

Im Allgemeinen hinterlässt das Gemälde den Eindruck eines frühen Vincent van Gogh mit seinem Wunsch nach Impressionismus. Das Gemälde „Rote Weinberge“ wechselte mehrmals seinen Besitzer, bis die Sowjetregierung es verstaatlichte und es an das Museum für New Western Painting und dann an das State Pushkin Museum übertrug, wo es sich noch befindet.

Jahr der Malerei: 1888.

Abmessungen des Gemäldes: 73 x 91 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Landschaft.

Stil: Postimpressionismus.

Galerie: Das Staatliche Puschkin-Museum der Schönen Künste, Moskau, Russland.

Vasnetsov – „Von Wohnung zu Wohnung“

Zweifellos gelang es dem Künstler, das zu verkörpern, was er in dem Gemälde „Von Wohnung zu Wohnung“ konzipierte. Auf den ersten Blick auf der Leinwand spürt man die Hoffnungslosigkeit und Bitterkeit von Menschen, die gezwungen sind, ihren Wohnort zu wechseln. Die gesamte Aktion auf dem Bild findet im Herbst im feuchten St. Petersburg am Ufer der Newa statt, das bereits mit Eis bedeckt ist (diese Schlussfolgerungen lassen sich aus den Umrissen der Peter-und-Paul-Festung im Hintergrund ziehen).

Die Hauptfiguren der Leinwand sind ein älterer Mann und seine Frau. Nach ihrer Kleidung zu urteilen, sind sie eindeutig keine reichen Leute, aber es kann nicht gesagt werden, dass sie völlig arm sind. Es ist davon auszugehen, dass der Mann als minderjähriger Beamter arbeitet oder bereits in den Ruhestand getreten ist und sein Gehalt sehr gering ist.

In den Händen eines Ehepaares mittleren Alters sind bescheidene und wenige Dinge. Die Augen des Mannes sind voller Bedauern, er sieht seine Frau mit einem Schuldgefühl an, weil sie nicht in der Lage ist, für seine Familie zu sorgen. Und der Ausdruck auf dem Gesicht der Frau zeigt, dass sie nicht nur wütend auf ihren Ehemann ist, sondern auch auf ihr ganzes Leben und ihr Schicksal. Sie versteht, dass sie jetzt keine Wahl haben, und das Wechseln einer Wohnung ist eine erzwungene Lebenssituation, da ihre Ehe höchstwahrscheinlich eine Entscheidung ist, die einmal von ihren Eltern getroffen wurde. Die Frau geht entschlossen und sieht ihren Hund nicht einmal an. Durch den wohlgenährten Körperbau des Haustieres ist klar, dass er zart und verwöhnt ist, ihm wurde nichts verweigert.

Der Künstler betont den bedrückenden Zustand der allgemeinen Landschaft: ein schwerer grauer Himmel, gelb-schmutziger Schnee, Möwen, die tief über die aufgetauten Flecken der Newa fliegen. Und die Krone dieses Bildes ist ein zerbrochenes, altes Boot am Ufer, wie das zerbrochene Leben dieser Menschen.

Jahr der Malerei: 1876.

Abmessungen des Gemäldes: 53,5 x 67,2 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Genremalerei.

Stil: Realismus.

Galerie: Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.

Vrubel Mikhail – „Dämon sitzt“

Alle Leinwände von Mikhail Vrubel sind voller Geheimnisse und Märchen, insbesondere seine Bilder von Dämonen. 1891 wurde eine Jubiläums-Neuauflage von Lermontovs Werken veröffentlicht, für die Vrubel 30 Illustrationen aufführte. Dies waren hauptsächlich Illustrationen für das Gedicht „The Demon“. Und die Handlung des Gemäldes „Der sitzende Dämon“ wurde in Moskau konzipiert, nachdem Vrubel dieses Gedicht gelesen hatte.

Die Hauptfigur von Vrubels Gemälde „Der sitzende Dämon“ ist eine Kreatur, die auf einem Berg sitzt. Sein starker muskulöser Körper ist angespannt, aber sein Gesicht ist im Gegenteil ruhig und sogar etwas melancholisch. Dies zeigt die Dualität des Bildes des Dämons – einerseits ein starker, wie ein Granitkörper, und andererseits eine verletzliche, zitternde Seele. Das Bild eines Dämons verkörpert den Geist eines Menschen, seinen inneren Kampf und seine seelische Qual. Das Gemälde zeigt einen Dämon, der in einer traurigen Pose sitzt. Es gibt Berge um ihn herum, der Sonnenuntergang wird rot.

Das Gemälde ist im ursprünglichen Stil von Vrubel gemalt – es sieht eher aus wie ein Buntglasfenster oder eine Tafel. Flache Striche mit einem Spachtel sorgten für die Wirkung von Kristallkanten. Dieses Bild eines Dämons ist der berühmteste von Vrubels Dämonen.

Jahr der Malerei: 1890.

Abmessungen des Gemäldes: 212,5 x 115 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Literaturmalerei.

Stil: Symbolik.

Galerie: Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.

Serov Valentin – „Mädchen mit Pfirsichen“

Eines der bekanntesten Gemälde von Valentin Serov – „Mädchen mit Pfirsichen“ – war für den Autor schwierig: Er malte es drei Monate lang. Wie Sie wissen, zeigt das Gemälde die Tochter eines Philanthropen und Unternehmers Savva Mamontov – Vera. Zu dieser Zeit war sie 12 Jahre alt. Das Porträt des Mädchens erwies sich als sehr hell, leicht und sehr luftig.

Das Mädchen auf dem Bild wird als ruhig, ausgeglichen, aufmerksam dargestellt, aber die Röte, die auf ihrem Gesicht und den zerzausten Haaren erschien, sagt dem Betrachter, dass sie kürzlich auf der Straße herumtollte. Es scheint, dass sie nur auf die Erlaubnis wartet, zurück in den Garten zu rennen, um zu spielen und Spaß zu haben.

Wenn Sie sich das Gemälde genau ansehen, werden Sie viele interessante Dinge bemerken. Zum Beispiel hängen die Kanten der Tischdecke nicht vom Tisch, sondern sind ordentlich gefaltet und verlegt. Dies geschah in Familien mit kleinen Kindern, damit sie nicht alles auf den Tisch fallen lassen konnten, indem sie an der Kante der Tischdecke zogen. Die Dinge auf dem Tisch sind auch nicht zufällig – das Mädchen braucht ein Messer, um einen Pfirsich zu schneiden und einen Knochen zu bekommen, und Ahornblätter sind ein Element eines bestimmten Spiels, aus dem der Künstler sie für einen Moment herausgerissen hat.

Das Aussehen des Mädchens ist ungewöhnlich: Es ist sehr mysteriös, es ist etwas Listiges, Verspieltes darin. Aus diesem Blick geht hervor, dass sie die Anführerin unter den Kindern ist. Für eine Minute rannte sie ins Haus, um sich für den Rest ihrer Kameraden etwas Gutes zu tun.

Valentin Serovs Gemälde „Mädchen mit Pfirsichen“ ist sowohl in der Komposition als auch in der Farbe sehr harmonisch. Der unbestrittene Einfluss des Impressionismus ist darin zu spüren. Dank der Techniken dieser Technik gelang es dem Künstler perfekt, das Spiel des Sonnenlichts zu vermitteln, einen schwer fassbaren Moment einzufangen und einzufangen und letztendlich ein solches Meisterwerk zu zeichnen, das das Publikum immer noch begeistert.

Jahr der Malerei: 1887.

Maße des Gemäldes: 91 x 85 cm.

Material: Leinwand.

Schreibtechnik: Öl.

Genre: Porträt.

Stil: Impressionismus.

Galerie: Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau, Russland.